SUMIKA project見学会

今日は、いつもお世話になっているフクダ・アーキテクツのお二人にお誘いいただき、栃木県の宇都宮まで東京ガスさんの「SUMKIA project」の見学会に出掛けました。

伊東豊雄さんのプロデュースで伊東さんを含めて4人の建築家による実験住宅、パヴィリオンが2008年に建てられました。
伊東豊雄さんの「SUMIKA パヴィリオン」、西沢大良さんの「宇都宮のハウス」、 藤本壮介さんの「House before House」、藤森照信さんの「コールハウス」の4つ。
4人に与えられたテーマはプリミティブな住処ということだったようです。

東京ガスさんといえば、エコウィルなどガスで発電したりということで最新の設備を提供しているのにもかかわらず、プリミティブ・笑
この矛盾は、どう建築家の作品にかかわってくるのかが非常に興味深いところでした。
テクノロジーに支えられながら現代の生活の営みがあり、時代に逆行するのは難しい気もします。

伊東さんのパヴィリオンは、以前にサーペンタインギャラリーで計画された案の延長にこのパヴィリオンがあるのではないかということを察しました。4本の柱+集成材によってつくられる幾何学的（ボロノイ分割による図形）スケルトンが外周を多い、さらにガラスと不燃ボード+FRPで仕上げる。ジョイントの加工など、まさに今の技術を使いながら、原初的な幾何学パターンをつかい、まるで確かに自然の中の木陰のようなおおらかな場にいる感じがします。ただ、ボードとガラスのとり合いをシールのみで処理しているところが気になりました。ここまでスレンダーだと、風や地震などで「揺れる」、それに耐えうる方法が他になかったのかと思いました。

 続いて、バスに移動して、「宇都宮のハウス」と「House before House」のところへ。

西沢さんの「宇都宮のハウス」は、おおらかな平屋建てで、自然の芝生が入り込んできたり、建具を閉じればインティメートな空間となり、開くと周囲の環境と一体となった広がりのある場となる。さらに、工夫されたこととして、陽の光により、時間を感じることができるというもの。住宅として、こういう変化があるということは大切なのだなと素直に思える作品でした。ただ、ルーバー状の天井の仕上げが簡易すぎているが故に、2年の経年変化後、一部が落ちてしまっていたのが残念。芝生も枯れていたり。

藤本さんの「House before House」は、コンセプトは、ものすごくよくわかる。安藤忠雄さんの「住吉の長屋」や荒川修作さんの「養老天命反転地」のような、外部空間の中で生活し、そして身体を覚醒させるかのような計画には好感をもちました。が、本当に人がここで暮らせるのだろうか。あまりにも個室などをバラマキ過ぎてはいないだろうかなど、非常にきになるところでした。また、西沢立衛さんの「森山邸」にも似ている気がします。全ては個人である、家族が大人数などで集うはずがない。という話だったらわかる。個室群住居をもっと楽しくしようというような。

 
藤森さんの「コールハウス」は、外壁を焼杉でしあげられた、木造建築でありつつも洞窟をイメージされたというお話のとおり、人間の本来的な集う場とは、かくあるべきというようないい空間でした。しっかりと求心性のある二股の柱も存在感があり、象徴として機能していました。しっかりと、おなじみの茶室もありました・笑
小さいながらも楽しい建築になっていたと思います。藤森さんの場合は、もう手馴れたというか円熟さがあるというか、巧さが光ります。
また、きっとネーミングもレム・コールハースとかけているに違いない・笑　遊び心満載な気がしました。

 現代を輝く建築家の共演ということで、楽しくもあり、色々と考えさせられました。技術とプリミティブな人間の本来性はどこで出会うか。
これは、私も追求したいところです。

神奈川県立近代美術館 鎌倉館

そんな訳で、鎌倉の神奈川県立近代美術館鎌倉館に久々に行ってみました。
以前に保存のことをやっていて、足繁く通ったのでなんだか懐かしい気分でした。

エントランス

1階は大谷石（躯体は鉄骨）で仕上げられていて、半外部空間が巡っています。2階が展示空間。
2階の展示空間は閉じていて美術展を鑑賞した後、1階に下りて、平家池を眺めながら外気の中で心も開いた気持ちで展覧会を反芻したり、蓮池を眺めながらボーっとできる場所になっています。コルビュジェの「農村計画」を参考にして作られたというこの美術館。まさに、コルビュジェの様な建築でもありますが（しかも、師匠に先駆けて美術館を竣工させている）そこは、坂倉氏のパリ万博日本館での経験、そして先にあった木々を伐採せずに建てるという配慮など坂倉準三が熟考した結晶としての建築がここにあるのだと思います。

2階から1階に降りる階段　奥は蓮池が展開

蓮池に面したピロティ下　冬は水面に反射した陽の光が天井を照らす

中庭　かつてはここで批評会などが行われた　彫刻はイサム・ノグチ

大谷石の可能性

石という素材を壁に使ってみたりすることは、私にとっても非常に興味があることです。例えば、神奈川県立近代美術館の鎌倉館本館には、大谷石の粗石が使われています。神奈川県立近代美術館の鎌倉館本館が竣工したのは1951年で、いわば戦後の貧しい時代です。設計は坂倉準三氏です。鉄骨も不足しているなか当時の神奈川県知事内山知事が「貧しい時代にこそ文化を！」という粋な方針で神奈川県立近代美術館や神奈川県立音楽堂の建設に力を注いだと言われています。

確かに、当時、近美の現場統括を行った駒田先生にインタビューした際、予算が合わなかった為きれいな大谷石を使うことができなかったというお話を伺いました。しかし、ル・コルビュジェの事務所で「マテの家」の実施設計を行っていた坂倉準三は、この時も粗石を使っていたといいます。なので、この近美でも粗石仕上としたという話でした。確かに予算的にも粗石の方が安価であったということもあるそうですが、粗い方が恐らく、建築の「他者性」というものが表現できたのではないかと思います。

ふと知人のコサージュ作家、遠藤さんから今回、展覧会を行う場所について大谷石とのコラボレーションについてのメールが来たため、今まで私が経験した近美を通して思いを巡らせた次第でした。

リーフレット

以前より、暇をみて作成しておりました、当事務所のリーフレットが完成しました。
まだ試作の域を脱し得ませんが、ご興味、ご希望の方がおりましたらe-mailにてご連絡いただけたらと思います。
今回は「富士塚の家」ができるまで、どのようなことを考えながら設計を進めていったか、またどのような建築になったかを、このプロジェクト以前の2物件を紹介しつつ、解説をしております。
どうぞ宜しくお願い致します。

バオバブの記憶〜そこに暮らしがあるということ

先日、5月3日に鎌倉の平和推進実行委員会が主催した憲法記念日のつどい「バオバブの記憶」という本橋監督の作品を観に行ってきました。
千年生き続ける、バオバブの樹によりそいながら、樹を敬いながら生活するセネガルのトゥーバトゥール村の人たちのドキュメンタリー映画です。
近年では、中国資本が入り、近代化が進み、バオバブの樹も切り倒されてしまう状況が生まれているということでしたが、 そこにはバオバブの樹に対する信仰のような（宗教的にはイスラム教らしいのですがそれを超えるというかもっと身近な存在としての信仰のような）ものがあり、ある意味では、この樹が村の人達の心の支えでもある。

本橋監督は、「そこには暮らしがある」とおっしゃっていたことがとても印象に残ったわけです。

現代の私たちの暮らしにおいては、地域という概念すら消えつつあり、住宅地の住宅は個人の資産である為か周囲とは閉じている関係をつくりだしてしまっているのが現代の日常風景といって良い。資本主義の消費の対象が家族だけでなく、個人に対して「この商品を購入せよ」というメッセージを送り続けているが故に、家の中の家族内の関係性すら危うくなっているのではないか。

では、暮らしがあるとはどういうことなのだろうか。

確かに、その村の暮らしをそのまま私たちの生活として真似る、変えるというのには無理がある気もする。
しかしながら、「そこには暮らしがある」という場合、明らかに私たちの現代はどこか、非人間的な時間を過ごし、過ごしというよりは時間が慌てて過ぎてゆくように生活しているのではないか。暮らしがあるということは、大きな時間枠（人生）でとらえた時に、日々の生活の中に詩のようなものがあり、人生を愛おしく丁寧に暮らしているということが「そこに暮らしがある」というのではないかと漠然と考えたのでした。

そして、建築もまた、そのような大きな時間の流れの中で、人間の中に詩がある生活の中で、共に在りたいと思ったのでした。

ここのところの日常

ここのところ、STUDIO 2Aの図面ヘルプに入っていて、事務所に不在にすることが多い日々です。
ちなみに、STUDIO 2Aの前の住宅作品「house I」も実施設計協力しております。（リンク先のDATAを参照下さい！）
ところで、その「house I」は昨年度の新建築賞を受賞したので、このような講演があります。私も参加予定です。

 第26回新建築賞　受賞者講演会

Pina Bauschについて

当事務所の「Idea」にも書かせてもらいましたが、Pina Bauschという人についてご存知ない方に補足説明が必要かと思いました。
Pina Bauschは、ドイツの振付家で演劇とダンスを融合したかのような「タンツテアター」という形式といいましょうか、そのような舞台作品をつくり続けてきました。

ヴッパタール舞踊団の舞台監督に就任したのが、1973年です。当初は、ヴッパタールでダンスといえば、バレエなど古典的な表現が主流だったらしいのですが、彼女がつくる作品は、そのような形式から逸脱している。したがって、お客さんも入らず、これが舞台か？と批判にさらされていたといわれています。
代表作と言われる「カフェ・ミュラー」は、（ペドロ・アルモドバル監督の「Talk to Her」でその断片を映像でみることができますが ）人生に失望した女性があるカフェに入ってくる、カフェで絶望のあまりに打ちひしがれながら動きまわり、男が彼女が通れるようにバラバラに配置されている椅子を動くたびにどかしていく。なんてストーリーを書いては、きっとこの舞台を描いていることにはならないと思います。ストーリーがピナの作品の重要な主題ではないからです。ただ、舞台をみて実感することは、人間の深い哀しみ、出会い破れてゆく様、生きる困難さを表現するが故に逆に、それが生きているということなのだという事実が、ものすごく伝わってくる作品でした。哀しみが反復されると滑稽に映ったり、様々な生にまつわるシーンを突きつけられます。

 私が初めて、ピナの舞台をみたのが99年。「フェンスター・プッツァー」という香港がイギリスから中国へ返還された時期の所謂、都市シリーズの作品と、ピナ自身が踊った「ダンソン」、「タウリスのイフィゲネイア」の三作品を鑑賞しました。「フェンスター・プッツァー」では、舞台と客席の境界が溶けてゆく感覚、花の山が喜びの象徴に変わったり、照明によって砂漠の山と化したりという多義性に驚き、「ダンソン」のピナの踊りは、上半身しか動かしていないのに水の映像と呼応して、水のような生命の源を感じさせられたという衝撃、そして「タウリス〜」は初期の作品だけあって、舞台が重厚な絵画のような世界になるという驚き、といった今でもシーンが思い出されるほど、強烈な体験でした。

その後、ヴッパタール舞踊団が来日する度に追ってきました。ダンサーに質問してそれをダンスの振付として、何度も何度も、その質問の投げかけを繰り返すという独特な方法。その断片を集めて、ピナのイメージする方向にもっていくというやり方は、「問い」それに対する「答えかもしれない動き」、そしてその積み重ねによって、一つにまとめ上げて行く方法にとても興味をいだきました。
例えば、J-Lゴダールの映画のシーンには、問いと答えのやりとりのシーンがどの作品にもみられる。問い。問い続けるというその姿勢が、今の私の建築との付き合い方の基盤になっているといっても過言ではありません。

また、ゴダールもドイツでの講演にて、モンタージュを語った際、「あなた方の国の優れたモンタージュの使い手は、ピナ・バウシュとファズビンダーです」という旨の話をしていたくらい。

まだまだ、これについては語りつくせないところがありますので、また別の機会に。